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"Diversas formas de expresión en el Arte"

EL ESPEJO EN LA PINTURA

A continuación veremos una exposición de los pintores más sobresalientes de todas las épocas de la historia del arte que contienen espejos en la pintura, grabado y escultura.

Tiziano (1485-1576)
Pintor Renacimiento Italiano

Venus del espejo h. 1555
Oleo sobre lienzo
124´5 x 105´5 cm.

Tiziano Vecellio nació en la localidad de Piove di Cadore, en los Alpes Vénetos, en el seno de una familia que gozaba de una importante posición, habiendo desarrollado sus miembros respetables profesiones desde el siglo XIII.

Mientras que Tiziano realizaba las famosas Poesías para Felipe II, ejecutó también varias tramas mitológicas protagonizadas por Venus.

El maestro creará un argumento totalmente original como es "La toilette de Venus" sin ningún precedente anterior. La figura de la diosa desnuda, cubriéndose parte del pecho con la mano y el pubis con un rico manto bordado, se recorta sobre un fondo neutro. Dos amorcillos la acompañan; uno porta el espejo en el cual Venus se mira y otro procede a coronarla.

La luz resbala por el cuerpo femenino y resalta la blancura de su piel, mientras que los niños quedan algo más oscurecidos. El dibujo que exhibe el maestro es de gran belleza, añadiendo un efecto atmosférico a la composición que parece difuminar los contornos.


Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi - Pintor italiano.

“Narciso” h.1545
Pintura al óleo
110 cm × 92 cm

Si bien el tema de Narciso tuvo mucho auge en la literatura italiana, no fue así en la pintura.
Narciso es el último cuadro de Caravaggio.

Narciso era un joven al que le había caído una maldición prohibiéndole mirar su propia imagen reflejada. Su temperamento caprichoso había hecho que rechazara a muchas mujeres que se habían prendado de su belleza.

Narciso no había visto su propia imagen hasta el fatídico momento en que, sentado a descansar en un claro del bosque, descubre sin querer su reflejo en un pequeño espejo de agua, se enamora loca y perdidamente de su propia imagen reflejada en las aguas.

Finalmente, muere tendido junto al lago y en su lugar surge la pequeña flor amarilla que hoy conocemos como narciso o jacinto (Hyakinthos).

El neurólogo austríaco Sigmund Freud (1856-1939), padre del psicoanálisis, introdujo el concepto de narcisismo en su ensayo de 1914 “Introducción del narcisismo” trayendo a nuestra época un mito creado por los antiguos griegos por el pecado de enamorarse de sí mismo.

El trastorno narcisista de la personalidad es cuando el paciente sobreestima sus habilidades y tiene una necesidad excesiva de admiración y afirmación.



Peter Paul Rubens (1577 - 1640)
Pintor barroco de la escuela flamenca

Venus y Cupido” h.1606-1611.
137 x 111 cm
Oleo sobre lienzo

Esta Venus de Tiziano fue pintada a mediados del siglo XVI y copiada por Pedro Pablo Rubens entre los años 1606 -1611.

El cuadro de Tiziano desapareció en algún avatar histórico, el cuerpo de Venus estaba desnudo, exuberante y sensual.

Rubens agrega el detalle en la vestimenta de Venus y además una caída sensual sobre su cuerpo dejando al descubierto uno de sus senos da cierta erotismo.

El claroscuro característico del barroco, con la iluminación enfocada en el elemento principal o lo que realmente quiere destacar de la pintura, dejando el fondo oscuro sin ningún detalle (contraste de luz y sombra).

La imagen reflejada de la cara de la diosa no encaja esa porción de su cara visible, su hijo Cupido le sostiene el espejo.


Peter Paul Rubens (1577 - 1640)
Pintor barroco de la escuela flamenca.

“Venus y el espejo” h. 1613–14
Oleo sobre tabla
124 x 98 cm.
(Este cuadro es una copia de un cuadro de Tiziano).

Rubens es considerado el representante genuino y completo del estilo barroco. Su influencia fue enorme en la pintura europea, tanto por su amplísima producción como por la difusión de sus diseños mediante grabados.

Su estilo exuberante enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapices.

Los pliegues de las sábanas de la cama se hacen eco de la forma física de la diosa, redondeada y rellena y se presentan para enfatizar las curvas de su cuerpo.


Georges de La Tour (1593-1652)
Pintor francés barroco.

“Magdalena Penitente” o “Magdalena de las dos llamas”
h. 1638-43
133,4 x 102,2 cm
Oleo sobre lienzo

Es el más famoso de los tenebristas franceses, es uno de los que toma para sus cuadros el tema de Magdalena.

Son tres los cuadros representando a Magdalena de Georges La Tour, sólo en dos de ellos su autor ubica espejos.

Georges de La Tour recibió la influencia del pintor italiano Caravaggio.

El espejo cambia el ángulo según quien lo mira. "Magdalena de las dos llamas” es la más famosa obra de Georges de la Tour, la escena se sitúa en un interior donde la fuente de luz es una vela ubicada dentro de la misma escena.

Estos cuadros tienen atmósfera de gran oscuridad cortada bruscamente por una vela puesta en un candelabro que ilumina fuertemente la zona próxima a ella.

En esta segunda etapa La Tour introduce una candela para iluminar las composiciones, lo que por otra parte le permite obtener determinados efectos lumínicos con tonalidades rojizas.

Georges de La Tour (1593-1652)
Pintor francés barroco.

“Magdalena Terff” (En su mano una calavera). h. 1642-1644
Oleo sobre lienzo
134 cm x 92 cm

En la Magdalena llamada Terff, (debido a Camille Terff), La Tour realiza una de sus obras más llenas de misterio y poesía.

La escena se desarrolla en un interior vacío de detalles ya que La Tour jamás pintó ambientes decorados. En la penumbra, la figura de la santa se revela contra el resplandor intenso de una lámpara de aceite.

Su mano izquierda acaricia en tanto un descarnado cráneo, símbolo de su esfuerzo por comprender la transitoriedad de la vida y la trascendencia.


Diego de Silva Velázquez (1599 - 1660)
Pintor español barroco

“La Venus del espejo” – h. 1651
Óleo s/Lienzo.
1,22 x 1,77 cm


El artista recreó a la diosa Venus reclinada y de espaldas, con Cupido sujetando el espejo donde se aprecia el rostro de Venus.

Velázquez juega con los juegos visuales, ya que el reflejo de la diosa no es real, pues el espejo no puede mostrar la cara de Venus desde esta posición. El cuerpo en una preciosa postura sensual sobre paños telas, blanca y negro, contrastando con el tono blanco-nacarado de la Venus realzando su belleza.

El cortinaje rojo subraya el fuerte erotismo de la escena. Esta es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda.

Diego de Silva Velázquez (1599 - 1660)
“Las Meninas” – h. 1656
Óleo sobre lienzo
318 cm × 276 cm

Las Meninas es considerada por algunos como la obra pictórica más importante de todos los tiempos.

Colgado en la pared hay un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. Velázquez en realidad está pintando la imagen que se ve en el espejo.
Esta combinación de perspectiva aérea y lineal ha fascinado a todos desde el siglo XVII.

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, quien se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar.

Velázquez nos mira a nosotros quienes metafóricamente somos el espejo, burlando nuestros sentidos al involucrarnos en la escena de varias formas. Velázquez nos mira con la paleta y el pincel como si nos estuviese pintando.
Cuando contemplas el cuadro directamente la vista del espectador se dirige hacia el fondo, a la puerta abierta iluminada.

Jean Auguste Dominique Ingres (1780 –1867)
Dibujante y pintor francés

“La condesa de Haussonville” h.1845
131,8 x 92 cm
Oleo sobre lienzo

Se encontraron sólo tres cuadros con espejos en la retrospectiva de Ingres. Ferviente defensor del dibujo, Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los tema. Difícil de clasificar dentro de un estilo.

Quizás lo que más llama la atención en este artista es su método de trabajo: Comenzaba dibujando innumerables bocetos del modelo desnudo, antes de pintar el lienzo; este profundo estudio previo, que podía alcanzar los 300 ó 500 dibujos preparatorios, movilizando los huesos o la estructura esquelética de la modelo para obtener posturas no rígidas. Luego pasa a pintar el vestido minuciosamente con plegados y frunces.

Jean Auguste Dominique Ingres (1780 –1867)

“Portrait of Madame de Senonnes” h. 1814.
106 x 64 cm
Oil on canvas.

Con un espejo pintado tras la dama, simula una vista trasera.







 

 

Jean Auguste Dominique Ingres (1780 –1867)

Madame Motessier Sentada h.1856
120 cm × 92 cm
Oil on canvas

 










Edouard Manet Pintor francés (1832-1883)

“Un Bar en el Folies-Bergère” h.1881
Óleo sobre tela.
96 × 130 cm

En la pintura se ve a una camarera atendiendo a un cliente en uno de los bares del local, su expresión de indiferencia contrasta con el bullicio de la gente que se divierte.

La naturaleza muerta con frutas, las botellas de champán, crema de menta y cerveza no se reflejan en el espejo.

Se puede ver la distorsión deliberada que introduce Manet ya que se podría ver la espalda de la camarera reflejada, si el espejo estuviera oblicuo con respecto a la barra, y no es así porque el marco del espejo está paralelo en relación al mostrador y los clientes de frente, costado y espaldas en un plano más alejado.

Una lámpara de araña de cristales, una chica curioseando con unos prismáticos.
Gracias al espejo vemos un campo visual de 360º.


Edgar Hilaire Degas (1834-1917)

"Clase de Danza" h.1871
38 x 43 cm.
Oleo sobre canvas

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas ha tratado el tema sobre el mundo del ballet con su visión particular, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

Todas las obras son muy parecidas y de similares medidas. Degas realizó numerosas variaciones sobre el tema de las bailarinas en clases de danza, muchas con espejos.

Es un tema al que Degas recurrirá con diferentes variaciones hasta su muerte. Estudia diferentes posturas y gestos de las bailarinas, usando la técnica fotográfica de cortar cuerpos y objetos para impresionar con la inmediatez y fugacidad de la toma.

A partir de 1880 el artista fue sustituyendo gradualmente la pintura al óleo por el pastel, más dúctil y susceptible de retocar. Gracias a sus procedimientos personales y a la calidad de un fijador especial renueva la técnica y la enriqueció combinándola con la aguada, temple y barniz.

Degas juega con planos iluminados de forma indirecta, el fondo de la estancia es muy luminoso, hasta allí llega el sol que entra por las ventanas. Todo el conjunto produce un bello efecto estético.

Las bailarinas que posaban en su estudio aparecen repetidas en sus telas detallando muy bien los gestos con la naturalidad de atarse una zapatilla, estirar un brazo, rascarse la espalda o bostezar.


Edgar Hilaire Degas (1834-1917)
Pintor francés

“Clase de danza en la Opera” h.1872
32 x 46 cm.
Oleo sobre canvas





Edgar Degas (1834-1917)
Pintor francés

“La Clase de danza” h.1874
49 x 64´7 cm.
Oleo s/canvas.









Edgar Hilaire Degas (1834-1917)
Pintor francés

“Clase de Baile” h.1875
85 x 75 cm
Oleo sobre Tela

El espejo está ubicado en la pared izquierda, y se puede ver el exterior de la ventana y las bailarinas que están atrás.
Es decir que de manera indirecta en el cuadro se ven 3perspectivas.







Edgar Hilaire Degas (1834-1917)
Pintor francés

“Clase de Baile” h.1875
85 x 75 cm
Oleo sobre Tela

En esta obra podemos ver en el espejo las figuras cercanas y de forma indirecta a una ventana el reflejo de los edificios que se ven por la ventana que ilumina el salón.
 



Berthe Marie Pauline Morisot (1841-1895)
Pintora Francesa

“El espejo de vestir” h. 1876
Óleo sobre lienzo.
65 x 54 cm

El espejo de vestir o La Psyché, como también se denomina, es uno de los lienzos que Berthe Morisot presentó en la Tercera Exposición Impresionista de 1877.
La supuesta sobrina nieta del pintor rococó Jean-Honoré Fragonard, nació en Bourges en el seno de una familia acomodada, en la que era tradicional la afición a las artes, aunque no por ello dejó de sorprender a su familia cuando eligió convertirse en una pintora profesional.
Berthe Morisot estuvo muy vinculada al impresionismo francés y participó activamente en casi todas las exposiciones de este grupo. Mantuvo una estrecha y fructífera relación con Manet, Renoir y Degas, con los que compartió su interés por los temas cotidianos y por la captación de los efectos de luz.
Casada con Eugène Manet, hermano del pintor, con el que mantuvo una estrecha relación, y una de las fundadoras del grupo impresionista, Berthe Morisot estuvo preocupada de manera especial por el estudio de la luminosidad y el color y compartió el interés de los demás impresionistas por los reflejos de luz.

“El espejo de vestir”, presentada en la exposición de los impresionistas de 1877, es un excelente ejemplo. Una mujer entalla su holgado camisón blanco con sus manos, imaginando quizá el efecto del uso de un corsé.
La pintura, ejecutada con una exquisita factura de suaves toques con intensa luminosidad, nos muestra a una joven vistiéndose pausadamente en la soledad de su habitación frente al espejo de vestir, o psyché , estilo Imperio, que pertenecía a la pintora.
Los reflejos de la luz exterior permiten establecer una rica gama de blancos. La figura de cuerpo entero se muestra en una actitud coqueta, con el hombro izquierdo al descubierto y girado hacia el espectador.

Henri Matisse (1869-1954)
Dibujante, grabador, escultor francés

“Lección de Pintura” h.1919
73 x 92 cm
Oleo s/ tela

Es considerado como una de las grandes personalidades del arte del siglo XX, especialmente para expresar sentimientos a través de su lenguaje expresivo del color y del dibujo. Su inmensa producción lo consagró como una de las figuras centrales del arte moderno.

Abogado de profesión, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de Paris. Su primera formación la realizó de manera académica.

Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en Niza, en el sur de Francia, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante, realizó una serie de composiciones de flores, pequeñas, ramos de crisantemos o ranúnculos amarillos o girasoles rotos en jarrones y pintados con los colores apagados de su paleta de juventud, muchos duplicados por espejos.
Luego encontró una verdadera liberación en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales.

Se le identificó con el “fauvismo”, pintores que se dedicaron en esa época a los colores puros se los llamó “les fauves” (bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones.

Henri Matisse (1869-1954)

“Las flores amarillas” h.1902
Óleo s/ canvas.
46 x 54,5 cm





Henri Matisse (1869-1954)

“Cama en el espejo” – h.1919
65x 50 cm
Oleo s/canvas










Henri Matisse (1869-1954)
“Jarrón con Lirios” h. 1939
92 x 73.5 cm.
Oleo s/canvas






 




Henri Matisse (1869-1954)
Pintor fauvista francés

“La mesa Roja” h. 1939
92 x 73.5 cm.
Oleo s/ canvas










Georges Henri Rouault (1871- 1958) Pintor francés fauvista y expresionista. Trabajó además la litografía y el aguafuerte
“Muchacha con espejo” h. 1906.
Acuarela sobre cartón.
72 x 55 cm.
Es la obra más intensa de la serie del tema de las prostitutas realizada entre 1903 y 1914, Georges-Henri Rouault nació en 1871 en un sótano de la parisina Rue de la Villete, donde su madre se había refugiado de los bombardeos.

Su padre, un humilde ebanista empleado en una fábrica de pianos. Con catorce años, Rouault entra como aprendiz en el taller de un maestro vidriero y comienza a asistir a los cursos de tarde en la Escuela de Artes Decorativas. En 1890 decide dedicarse plenamente al arte y se matricula en la Escuela de Bellas Artes de París.
Rouault, en sus inicios pinta cuadros de tema religioso; con uno de ellos, “El niño Jesús entre los doctores” obtiene en 1894 el premio Chenavárd.
Elabora un lenguaje formal sumamente sintético y dominado por los valores expresivos y bordes negros. Sus acuarelas y gouaches sobre papel, luego abandona la temática religiosa y acoge una variada fauna compuesta por jueces, prostitutas, gente de circo y un amplio elenco de personajes de la calle.
Hacia 1918 la temática religiosa, especialmente la figura de Cristo, pasa a ocupar un lugar preeminente en su obra; sus cuadros, cada vez más cubiertos de materia, toman la apariencia de bajorrelieves pintados.
Pese a su deliberado aislamiento respecto al devenir de las corrientes artísticas de la primera mitad del siglo,
Rouault gozó en las últimas décadas de su vida de un gran prestigio; nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1925, desde 1930 se suceden las exposiciones de su obra, tanto en Francia como en el extranjero. En sus últimos años la temática se desarrollan con un ambiente sosegado y feliz.


Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Pintor, dibujamte, grabador, ceramista español

“Mujer ante el Espejo” h.1932
Óleo sobre lienzo
162.3 x 130.2 centímetros
Pablo Picasso es uno de los pintores más conocidos del mundo. Nació en Málaga, España, en 1881. Su padre era profesor de dibujo y se llamaba José Ruiz Blasco, por lo que tomó el apellido de su madre, María Picasso,
La trayectoria pictórica de Picasso le sitúa en un lugar privilegiado en la historia del arte contemporáneo, tanto por su capacidad técnica como por haber creado junto a Georges Braque, el estilo cubista.
Su vida es, no obstante, tan dilatada y tan plena de vaivenes artísticos en las diversas iconografías y colores..
En esta obra una mujer (Marie Thérèse Walter, amante de Picasso) se contempla frente a un espejo. Su rostro está dividido en dos: del lado izquierdo vemos la niña y del lado derecho la mujer. Es una interpretación moderna de la vanidad, Marie Thérèse, contempla su reflejo interno.
La mujer estira la mano hacía el espejo en un movimiento que une a la vez la niña, la mujer y el reflejo de la misma. En una sola obra, Pablo Picasso plasma todo su genio.
Con brochazos gruesos y una paleta de muchos colores, Picasso nos representa tres versiones de una sola mujer.

Paul Delvaux (1897-1994)
Pintor belga neo impresionista y expresionista

“Mujer ante el espejo” h.1936
Oleo s/Canvas
71x91 cm

Su pintura se caracteriza por desnudos femeninos
En este cuadro en especial juega entre la dama vestida y su reflejo desnudo en el espejo.
Las pinturas de Delvaux se hicieron famosas al representar mujeres desnudas, cargadas de erotismo. Sus figuras idealizadas miran fijamente como si estuvieran hipnotizadas, con gestos misteriosos, a veces reclinadas de manera incongruente en ambientes oníricos y desdibujados.
Su técnica bastante académica, acoge personajes hieráticos: hombres distraídos e incluso esqueletos, en templos griegos y jardines florentinos que componen perspectivas arquitecturales clásicas.

Paul Delvaux (1897-1994)

“Mujer en la cueva” h.1936
Óleo sobre lienzo.
71 x 91,5 cm
Mujer ante el espejo de Paul Delvaux, representa una figura femenina desnuda delante de un espejo.
El simbolismo del espejo ha sido un recurso alegórico frecuente en la historia de la pintura occidental, y para Delvaux, como señalaba Konrad Schreumann,
La joven del cuadro no mira al espejo, mientras que la imagen de su propio rostro que le devuelve el espejo, rodeado por una banda de encaje, sí que la mira a ella.
Esto es, ambas mujeres son seres reales, ya que poseen miradas independientes. Para Delvaux el espejo será, por tanto, la forma de abrir la imaginación a un mundo más realista que la propia realidad.
Las enigmáticas mujeres que aparecen en las obras de Delvaux, cargadas de metáforas a veces difíciles de interpretar, adoptan generalmente el aspecto de esfinges, ninfas o sílfides, en unas composiciones de un erotismo velado.
Aquí, la exagerada visión en perspectiva y la forma fálica que adopta el orificio de la cueva también han sido interpretadas en clave erótica, así mismo el encaje lo complementa, la imagen reflejada que no está en el mundo real, sino en otra dimensión irreal y mágica. © 2014




René Magritte (1898-1967)
Pintor surrealista belga

“Erased de Kooning” “De Kooning borrado” h.1937
81 x 65 cm
Oleo sobre tela

René François Ghislain Magritte, conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción pre-condicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hiper-sensitivo a su entorno.

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas. A partir de 1926 el estilo de Magritte, es llamado "realismo mágico".

En “Erased”, Magritte retrató al magnate Edward James ante un espejo de espaldas que también lo refleja de espaldas. Ahí lo importante es que se esconde el rostro “prohibido”.


Salvador Dalí (1904-1989)

Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech,
Pintura, dibujo, fotografía, escultura, diseño, escritura, dibujante, Cine, la escultura y la fotografía, español.

“Dalí de espaldas pintando a Gala de espaldas, eternizadas por seis córneas virtuales provisionalmente reflejadas por seis verdaderos espejos.” h.1972-73.
Obra estereoscópica sobre dos paneles.
Cada uno de 60 x 60 cm.
Óleo sobre lienzo.

Dalí experimentó en la década del 70 para llegar a la tridimensión o conseguir efecto de profundidad en el cuadro bidimensional. Como en las Meninas, aquí también aparece el pintor en su creación.

En esta obra Dalí se retrata pintando de espaldas y reflejado de frente, se llama estereoscópica a cualquier técnica visual tridimensional o a la creación de la ilusión de profundidad en una imagen.

Esta obra de Dalí es una variante del autorretrato, en el que se incluye además el retrato de una mujer. Ambos, pintor y modelo, aparecen en planos sucesivos.

La obra está dividida en varios cuadros: Uno de ellos es el espejo que nos muestra la cara de los personajes, el cual está enmarcado para destacar su carácter como tal. Otro es el de la ventana, o espacio abierto hacia el exterior a través del cual entra la luz que ilumina la escena.

Otro cuadro que podemos visualizar es el del lienzo pintado, que queda oculto por el cuerpo del artista. Y, finalmente, el cuadro mismo que contiene a los anteriores y que es el que observa el espectador.

Los colores son en su mayoría de tonalidades apagadas, dadas por los marrones de los muebles y la poca iluminación de la ventana.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo. En su última época lo marca como uno de los máximos representantes del surrealismo.



Francis Bacon (1909-1992)
Pintor – Expresionismo inglés

“Retrato de George Dyer con espejo” h. 1968
198 x 147 cm
Óleo sobre lienzo.

Bacon es el pintor característico de la corriente denominada nueva figuración europea o realismo mágico, que surge después de la segunda guerra mundial.

Su obra se caracteriza por deshacer el aspecto de la materia huyendo de formas artísticas concretas. Los cuadros de Bacon muestran aspectos repulsivos del cuerpo y del rostro humanos, con brutales deformaciones y cambios de coloración.

Esta obra muy representativa de Bacon con un caballero trajeado en postura informal sentado en una silla de trabajo, volviéndose en un poderoso escorzo para auto-contemplación en un espejo situado detrás representa al modelo y amante de Bacon, George Dyer, en un espacio teatral y despojado con un círculo de luz que conduce al espectador a concentrarse en la figura.

Otra de las características increíbles en la pintura de Bacon es que realiza imágenes dentro de otra imagen, la convierte en pintura, más allá de la pintura o adentro de la pintura deforme. Bacon hace culto a la imagen del cuerpo, lo disocia, la fragmenta. Sus retratos expresan y ponen en evidencia, inestabilidad de lo corporal, de la carne humana.

Sus figuras mutiladas, demarcadas, descompuestas, que se convierten en enigmas, imágenes sombrías que cambian y le dan un carácter de extrañeza a la representación, que remarca la faceta hombre- animal.



Francis Bacon (1909-1992)
Pintor – Expresionismo inglés

“Estudio de George Dyer” h.1971
198x147
Oleo sobre lienzo











Francis Bacon (1909-1992)
Pintor – Expresionismo inglés

“Estudio para rojo Papa” Segunda Versión - h.1971
198x147 cm
Oleo sobre lienzo











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